Tercer disco del grupo francés/marroquí. Tras fichar por una discográfica estadounidense, la banda mira a sus raíces norteafricanas y se sacan del sombrero este LP de rock duro muy potente mezclado con sonidos del folclore marroquí (y supongo que alrededores). Así a bote pronto puede parecer un poco pegote, pero en verdad las dos cosas están super bien combinadas y sale un disco fresquísimo, muy original (al menos en la época) y potente de narices. Tiene mis dieses.
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Prácticamente primer y único LP del grupo estadounidense. Mezclan elementos del glam, el rock duro y el heavy metal con una actitud macarra de una manera bastante moderna para la época. No es un disco espectacular, pero está chulo y es interesante porque es un disco que suena muy moderno para el año del que es. Vale la pena pegarle una escucha.
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He de decir que tenía expectativas muy altas con este (único) disco de la banda por la fantástica portada, ejemplo bastante temprano de la unión entre espada y brujería y rock duro, pero la verdad es que luego el disco en si es rock progresivo con trazas de funk (por supuesto) bastante anodino, con alguna parte interesante, pero la verdad es que no vale mucho la pena. Eso si, la portada para enmarcar.
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En el 74, mientras su disco homónimo no vendía gran cosa, lo que si vendía mucho eran las entradas para los conciertos de KISS. El grupo estaba constantemente de gira y de promoción y prácticamente siempre agotaban las entradas. Si algo hacía KISS aparte de componer temazos, es dar unos shows en directo acojonantes.
Ya he hablado anteriormente del shock rock, ese estilo musical que se mueve entre el rock, el rock duro, el glam y el heavy metal pero que siempre destaca por el espectáculo la teatralidad. Seguramente la primera figura de este genero fue Screamin’ Jay Hawkins (Inolvidable interpretando I Put a Spell On You en plan brujo voodoo), pero hay otros muchos pioneros reseñables como Arthur Brown (con su mítica interpretación de Fire en Top Of The Pops en el 68) y el siempre entrañable Screaming Lord Sutch del que ya hemos hablado largo y tendido. KISS recogieron el testigo de todos estos, e influenciados por la escena glam (muy en concreto por Slade), otro grande del shock rock como Alice Cooper que para aquel entonces ya era una estrella consagrada, y de bandas de la escena proto punk con actitudes transgresoras y provocativas como New York Dolls, hiceron un conglomerado de personalidades escénicas, maquillajes locos, disfraces y actuaciones plagadas de efectos especiales que se convirtieron en literalmente el ejemplo de manual de lo que significa el término shock rock. Aunque no fuesen los primeros en hacer esta cosa, si que han sido hasta ahora los que lo han hecho de manera más clara y más decididamente influyente. En un concierto de KISS tienes a los miembros del grupo escupiendo fuego, sangre o humo según el caso, gente volando, pirotecnias y fogonazos cada 5 minutos, confeti a lo loco, espectáculo de luces y colores, y además ¡música de KISS! ¿Cómo se puede superar? Recomiendo echarle un vistazo a la primera aparición televisiva de KISS en el 74 en el programa de Mike Douglas para hacerse a la idea de lo transgresores que resultaban KISS en ese momento al menos en la actitud. No tienen mucho que envidiar a cualquier blackmetalero noruego.
La cuestión es que ante el parón de ventas de su primer LP,
KISS tuvieron que a su vez parar de dar conciertos para grabar otro LP ese
mismo año a ver si levantaban la cosa, y de ese parón salió su segundo disco,
Hotter Than Hell, que de nuevo, es una jodida maravilla con temas como Got To
Choose, Parasite, Goin’ Blind, Hotter Than Hell, Let Me Go… ¡un no parar de
temazos!
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Me salto el orden alfabético esta vez para hablar con un poco de sentido de este hito en la historia de la música que es el lanzamiento del primer disco de la banda de rock mas caliente del planeta: ¡KISS!
Aunque ya había hablado del disco “perdido” de Wicked
Lester, anterior encarnación del grupo, es en este LP donde ya se muestra toda
la personalidad de la banda, tanto a nivel de sonido (mucho más duro que Wicked
Lester) como a nivel de teatralidad, personalidades ficticias, los maquillajes,
etc y además ya cuenta con todos los miembros clásicos (además Paul Stanley y
Gene Simmons que ya estaban en Wicked Lester aquí ya se habían incorporado Ace
Frehley y Peter Criss).
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Primer disco de la mítica banda de AOR, aunque en este primer LP tienen un sonido más progresivo que el que les haría más populares. Tiene algunos temas chulos como Death Of Mother Nature, pero en general es un disco que me resulta un poco empachante.
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¡Por fin! Cuatro años esperando a este momento. Ya está aquí el primer disco de Judas Priest, la segunda banda de heavy metal más importante de la historia solo por detrás de Black Sabbath. Oriundos de Birmigham (igual que los Sabbath, lo cual convierte a Birmingham en el auténtico epicentro del heavy metal) son los responsables de redefinir completamente el género. De hecho si ahora la gente usa términos como “doom metal” o “proto metal” para referirse a las bandas jevis anteriores a Judas Priest, no es porque esas bandas no hiciesen heavy metal, si no porque el heavy paso a ser lo que hacían los Judas, tanto en sonido, como en actitud, como en estética. Cambiaron el significado del término. Por decirlo de otro modo, los Sabbath crearon el metal, y los Judas lo forjaron hasta convertirlo en una cuchilla de afeitar. Pero para eso aun quedan unos años, por ahora, este primer disco no es 100% representativo del estilo que desarrollarían en los años venideros, y transita del heavy metal al rock duro o al rock progresivo según en que momentos. No obstante es un discazo como la copa de un pino, con grandes temones como One For The Road, Rocka Rolla, Cheater o Never Satisfied. En fin, tiene mis dieses y absoluta recomendación (pero vamos, que ya aviso que todo lo que vaya a salir de los Judas va a tener mis dieses y absoluta recomendación, para que engañarnos).
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Primer disco del guitarrista antes de unirse a Argent en el 75. Un disco que empieza con una canción de amor dedicada a una colegiala (inquietante) con trozos que parecen un poco copiados de Children Of The Revolution de T.Rex, y que continua con otras ocho pistas ninguna de ellas particularmente memorables a nivel compositivo, pero con un nivel de virtuosismo a la guitarra muy notable, da gusto oírle tocar.
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Cuarto disco del grupo (me acabo de dar cuenta que se me olvido hablar de un disco, en el 73 aparte de Bite Down Hard sacaron Jumpin’ The Gunne, que es un poco más de lo mismo, pero bueno, que quede constancia de que existe al menos). Tras el éxito de su primer LP no volvieron a tener mayor éxito comercial, así que este disco es el último que sacaron antes de disolverse (aunque se volvieron a juntar y sacaron otro disco en 2005). Este cuarto disco puro AOR, y no tiene ninguna canción particularmente memorable la verdad.
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Detrás de la que podría ser la portada de disco más fea que llevo vista hasta ahora está el séptimo álbum de estudio del grupo. Originalmente concebido como la banda sonora de una película que nunca llego a hacerse por no encontrar quien la financiase, acabo siendo un disco normal y correinte. El disco además de la flautilla típica de Anderson, tiene instrumentos de todo tipo, violines, gaitas, acordeón, sintetizadores… En general tiene un sonido limpio, ligero, todo muy alegre y caprichoso, muy trovadoril. Aunque no fue mal de ventas, al igual que con Passion Play, la critica le dio de palos. No es un disco que me apasione, pero tiene unos cuantos temas chulos y en general es un disco entrañable.
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Septimo disco del grupo. Tras dos discos tope vainilla, dos insoportables y uno más o menos ok (Bang, 1973) llega este Miami, del cual lo mejor que puedo decir es que es corto. Menudo coñazo de disco. Empiezo a pensar que James Gang no es para mí.
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Ya hablamos de esta banda el año pasado con el disco recopilatorio pirata “Buried Together”. Al igual que en aquel álbum, lo que tenemos aquí es un disco posterior (2009) que recupera grabaciones de entorno al 74 que el grupo nunca llegó a editar (porque no editaron ningún LP en su momento). El grupo estaba muy influenciado por grupos como Black Sabbath y llegaron a mandarles demos con sus temas y tal (que no fueron recibidas con mucha alegría, ya que por lo visto se parecían demasiado a canciones de Black Sabbath, y los mánagers del grupo amenazaron con acusarles de plagio). Al grupo no le fue muy bien y se acabo disolviendo en el 74, pero aun así lo que está claro es que son unos pioneros del heavy metal olvidados. Los temas en este recopilatorio la verdad es que molan bastante (las similitudes con los Sabbath son evidentes) y la verdad es que es un disco que da gusto escuchar. A raíz de recopilatorios como este, Dismorphophobia (1996) o Buried Together, el grupo se volvió una banda de culto, y a partir de ese nuevo empuje de popularidad se volvieron a juntar en 2010, dando como fruto el disco “A Different Game”, primer LP de la banda (más vale tarde que nunca). En fin, Iron Claw tienen mis dieses y recomendación.
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Primer LP (de inquietante portada) de la banda norteamerica de rock duro, tiene su rollito de rock sureño (como en el tema Good Time Man) pero también algunas trazas de soul (como en el tema Glitter Queen) y algunas partes que suenan un poco más heavy metal que son las que más interesantes me resultan (como el tema Warp 16 que está bastante guapo). En fin, un disco un poco heterogéneo y desigual, pero ok, está bien.
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Primer LP de la banda de rock duro brtánica. Tiene sus trazas de funk y de soul, como no podía ser de otra forma, No es nada muy innovador pero es un disco simpático, se deja escuchar.
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Segundo disco de la banda australiana (el primero no lo comente porque era un directo con un sonido un poco regulero y no tenia nada muy especial, así que casi podemos contar este como el primero). Es un disco de glam rock que comienza con un tema (Get Rocked) que a mitad se transforma en el Satisfaction de los Rolling Stones. Tiene una canción sobre nunchakus (¿quizas la primera de la historia?) sin duda influenciada por el boom de las pelis de artes marciales de la época. Otra llamada Riff In My Head (que curiosamente tiene un riff casi igual que la canción Woman de los también australianos Wolfmother… ¿casualidad?). En fin, un disco en general con composiciones simpatiquillas, pero no se por que me suenan flojas, las interpretaciones no son particularmente potentes ni con mucho gancho, todo suena un poco flojo. Aun así un disco que se deja escuchar.
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Segundo disco del grupo finlandés. Este álbum LO PETÓ infinitamente en Finalndia. Fue el disco más vendido en el país durante 11 años seguidos y a día de hoy aun se mantiene en el puesto 9 del histórico de los discos más vendidos allí. Y la verdad es que es comprensible, porque sin ser nada innovador, es un discazo de rock duro muy clásico que seguro que hace las delicias de cualquier rocker, tiene mis dieses y recomendación.
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Séptimo álbum del grupo. Sigue la línea iniciada con el anterior álbum de meter coros femeninos, funk, soul, blues y demás rasgos de géneros musicales típicamente afroamericanos a tope, y del mismo modo que el sexto tenía una cara de temas originales y otra de versiones, en este disco aproximadamente la mitad de los temas son covers. Como dato curioso, la palabra “Thunderbox”se usaba antiguamente en Inglaterra para hacer referencia al retrete (de ahí que la portada tenga una cerradura a través de al cual vemos a una muchacha plantando un pino y el resto del álbum esté decorado con fotos de muchachas en váteres y bañeras de antaño).
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Quinto disco del grupo neozelandés. En la línea de los anteriores, no me dice nada la verdad.
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Primer disco de la banda noruega, es un disco bastante interesante porque nada un poco ente dos (o más) aguas. Por un lado se podría clasificar como un disco de rock duro, pero tiene muchos ramalazos de rock progresivo, que de vez en cuando mutan en ramalazos de heavy metal (con algún tema de clara influencia funky por ahí suelto). El resultado es muy ecléctico (como su discografía también lo será, cambiando de estilo numerosas veces), pero lo que más me interesa son los ramalazos jevis, porque realmente están muy avanzados, tiene partes que suenan tremendamente mucho como los primeros Iron Maiden, con sus guitarras dobladas y todo (decidme que Fatting Men Fri no tiene fragmentos que podrían ser perfectamente del Iron Maiden o del Killers) pero es que tiene canciones como Samhold que es que tocadas un poco más fuerte podrían ser de Slayer directamente (la intro de esa canción en concreto me deja loquísimo, es un anticipo del metal extremo pero total). Aunque sea como curiosidad puede ser interesante pegarle una escuchada, pero no es un disco particularmente brillante.
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Primer LP del grupo británico. A pesar del nombre, este grupo tiene más de rock duro y de glam que de heavy metal. Para mi gusto el disco tiene un exceso de canciones lentas, especialmente considerando la potencia con la que empieza, pero bueno, no por ser lentas son malas canciones en absoluto, está bastante guay, e incluye un reggae (Run Around Eyes) que aunque el reggae ya existía desde los 60 en Jamaica, era a principios de los 70 cuando empezaba a popularizarse en UK, con lo cual es una canción que en su momento sería bastante modernuqui (basta ver que no había mencionado ninguna canción de este estilo con todos los discos que llevo revisados hasta ahora). En fin, un disco simpatiquete.
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Primer disco del grupo, que contiene uno de sus temas más exitosos “Never Been Any Reason”. Un disco con bastante sintetizador y un sonido muy AOR, así que es bastante adelantado para la época. No es que me vuelva loco ni nada, pero está divertido el disco, se deja escuchar bien y tiene unos cuantos temas pegadizos, vale la pena pegarle una oída.
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Cuarto disco de estudio del grupo, y segundo en contar con Lemmy al bajo y ocasionalmente a las voces y composición. Estamos ante un discazo máximo, y en general parece que hay consenso que ante una de las cumbres en la discografía de la banda (a lo cual Lemmy solia añadir con cierta mala baba que casualmente los mejores discos son los que le tenían a él). El disco mezcla el rock espacial característico de los anteriores LPs y el bajo potente de Lemmy con mucho sintetizador y electrónica consiguiendo un sonido tremendamente novedoso para la época. Hay mucho temazo como The Psychedelic Warlords o Lost Johnny (posteriormente grabada por Motörhead). El nombre del disco es un juego de palabras entre la pieza “In The Hall Of The Mountain King” del compositor decimonónico Edvard Grieg, y el Mountain Grill (un bar al que solían ir los del grupo). La flipante portada con una nave espacial estrellada en una especie de lago extraterrestre, como casi todas las anteriores, corre a cargo de Barney Bubbles, que ya era prácticamente un miembro más del grupo. Además durante la gira del disco, en los directos solía subirse al escenario a recitar poesías el bueno de Michael Moorcok en persona (Moorcockpuntos:3).
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Segundo disco en solitario de Junior Hanson, (también conocido como Junior Marvin, Donald Hanson Marvin Kerr Richards Jr, Junior Marvin-Hanson, Junior Kerr, o Julian Junior Marvin) antes de unirse a Bob Marley And The Wailers. Muy en la línea del primero, rock psicodélico funk, esta bien, se deja escuchar.
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Primer y prácticamente último disco del grupo. Es una banda con bastante culto, pero a mi la verdad es que no me dicen gran cosa. Es blues rock pesado un poco del montón, tiene partes de virtuosismo guitarrero que si que me molan y le dan un punto especial, pero el resto, bueno, ahí está, se deja escuchar y ya.
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Primer y último disco del grupo. Rock duro versionando muchos clásicos del blues o del rock and roll como Hound Dog (popularizada por Elvis Presley, aunque tampoco es original suya), o I Just Want To make Love To You de Willie Dixon (que por cierto, es la tercera vez que sale versionada aquí, anteriormente por SAHB y por Foghat, lo cual la pone en el segundo puesto de la clasificatoria a la más versionada tras House Of The Rising Sun).
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Séptimo LP del grupo, un disco bastante interesante, me gusta sobre todo como empiezan a meter bastante sintetizador y a experimentar con los sonidos electrónicos, que en la época era un poco novedad. El disco tuvo una acogida razonablemente buena (llegó a entrar en el top de ventas durante una semana), pero después de grabarlo el grupo se disolvió temporalmente (aunque no tardarían en reunirse bajo una nueva alineación).
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Octavo disco del grupo, no está nada mal, aunque me parece menos interesante que el séptimo y que el noveno. El disco no tuvo el éxito arrollador de We Are An American Band, pero el single si que fue bastante exitoso, que no es otra cosa que una versión de Do The Locomotion, canción seguramente hoy más conocida por la verisión ochentera de kylie Minogue, pero en realidad es un tema de Little Eva de 1962. La portada del disco original está en 3d (del de gafas verdes y rojas). Flipamiento ahí a tope.
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Noveno LP del grupo, en plena explosión del funk y el Soul, está claro que un grupo que lleva “funk” en el nombre desde 1969 se va a subir al carro. Un disco muy marchoso y entretenido, con uno de sus grandes éxitos, Some Kind Of Wonderful, que aunque es una versión, seguramente es más conocida que la original. Está bastante bien el disco, y como dato curioso, los cuerpos musculosos sobre los que las caras de los miembros del grupo están pegadas en la portada son los de unos, por entonces desconocidos, Arnold Schwarzenegger y Franco Columbu.
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Segundo y último LP del grupo alemán. En la línea del primero un disco un poco del montón.
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Segundo disco del grupo. Este LP es menos directo y cachondo que el primero, y quizás por eso no cosechó mucho éxito comercial. Aun así no es para nada un mal disco, es de hecho, cojonudo, tontea un poco con el prog y el heavy metal, es más lento pero igualmente estimable que Hope You Like It, así que tiene mis dieses y recomendación. Por cierto, incluye una versión de House Of The Rising Sun, la cuarta que vemos ya, tiene papeletas para ser la canción más versionada de la década.
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Primer disco del grupo japonés, aunque no suelo poner discos en directo, al ser este un disco de debut todo con canciones nuevas, o lo pongo en directo o no lo pongo, y dado que está extremadamente bien considerado, no podía faltar. Es un disco de rock pero con mucho componente de punk también, así que es un disco muy pionero teniendo en cuenta que es 1973 y Japón pilla muy lejos de UK o NY. Pero los japoneses, por lo menos los de los 70, tenían buen ojo, viendo esos grupazos que salieron al calor de Black Sabbath como fueron Flower Travelling Band o Blues Creation. Macarra y directo, está bastante bien.
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Tercer disco del grupo y primero en no llamarse Foghat. Empieza con una potentísima versión del clásico de Big Joe Turner “Honey Hush” mezclada con la música de “Train Kept A Rolling” de Tiny Bradshaw (versionada ese mismo año por Aerosmith) en una suerte de híbrido entre versión y mash up de temas pioneros del rock and roll pero con la potencia al 11. Un disco potente y enérgico con mucha influencia de rock clásico y sus trazas de funky y soul como no podía ser de otra forma. Está bastante simpático, vale la pena pegarle una escucha.
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Primer disco del grupo neerlandés, (casi alemán, ¡uy! Por que poco no hay cuatro en línea). Es prog rock instrumental de principio a fin. Según he leído está considerado una joya dentro de este estilo, así que lo recomiendo a los que piensen que al prog rock le sobran las voces, pero no es mi taza de te, que le vamos a hacer.
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Tercer disco alemán del tirón (woooooo) y primero del grupo. En los 80 Faithful Breath serán un grupo con un estilo bastante distinto, pero por ahora son un grupo de prog rock sinfónico. Este disco es casi como una única pieza mayormente instrumental que dura en torno a 40 minutos (teniendo solo dos pistas por la cara A y una por la B). Muchísimo órgano y aires litúrgicos para un disco tirando a pesado (no en el buen sentido), aunque seguro que tiene su público.
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Tercer disco de los alemanes, en la línea del segundo, con sus guitarras dobles y su buen rollo. Muy fresquito.
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Tercer disco del grupo alemán, muy en la línea del segundo, rock progresivo del bueno.
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Me flipan estas cosas. Ordeno los discos de cada año por puro orden alfabético, y el disco que va tras el Storm Bringer de DEEP purple, es el Carolina County Ball (segundo LP) de ELF. El único motivo por el cual estos dos discos han salido uno detrás del otro es porque de entre todos los discos de 1974, el de Deep Purple es el ultimo por la letra “D” y el de Elf el primero por la letra “E”. En principio no hay motivo para que tengan más relación. Pues bien:
Elf fueron de gira con Deep Purple de teloneros, cosa que
les dio cierta fama. Roger Glover (anterior bajista de Deep Purple, quien fue
sustituido por el aficionado al funky Glenn Hughes) ayudó a producir tanto su
primer disco como este. Y tras decidir dejar Deep Purple, Ritchie Blackmoore se
unió a Elf sustituyendo al guitarrista, y le cambió el nombre a la banda por
Richie Blackmoore’s Rainbow o simplemente Rainbow. ¿Flipante que la conexión
entre bandas coincida con el orden alfabético verdad? Pues por por si fuera
poca coincidencia, este disco de Elf tiene una canción llamada… RAINBOW.
¡BUUUUM! Mi cabeza explota.
Segundo disco del año del grupo (aunque técnicamente hablando Burn fue grabado en el 73, si bien editado en el 74). Durante la grabcación del LP, Ritchie Blackmore estuvo un poco austente debido al divorcio por el que estaba pasando, y la dirección músical estuvo más a cargo del bajista Glenn Hughes que metió muchas más influencias funkys, lo cual lo diferencia un poco de anteriores discos de Deep Purple, pero no por ello hace de este disco menos interesante (de hecho tiene algunos de sus temas más celebrados, como Soldier Of Fortune, o el propio Stormbringer, tema que trata un poco libremente sobre la espada demoníaca creada por Michael Moorcock y que es la “fiel” compañera de su más famoso personaje, Elric De Melnibone. Y recordemos que no hay nada más heavy metal que cantar sobre la obra de Moorcock, el escritor más influyente en el género junto a Lovecraft seguramente, de hecho ya ha salido alguna colaboración de Moorcock con Hawkwind, y me parece un buen momento para empezar a contar referencias al autor y a ver cuantas pillamos entre ahora y 1989. Moorcockpuntos:2).
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Octavo disco del grupo, primero con contar con David Coverdale (futuro cantante de Whitesnake) y Glenn Hughes (futuro cantante de Black Sabbath) como recambio de Ian Gillian y Roger Glover. Estamos ante un discazo merecedor de todos mis dieses que contiene temas míticos como Burn, Mistreated o Might Just Take Your Life. El funk y el soul, como no podía ser de otro modo, (porque se están filtrando en TODO), empiezan a filtrarse en el sonido del grupo ligeramente en este disco, aunque no tanto como en el siguiente.
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Octavo álbum de estudio de David Bowie, que rompe un poco con lo que había hecho hasta ahora. Es un disco conceptual basado en un mundo postapocalíptico de corte Orwelliano (en realidad su intención era hacer una versión musical del libro 1984, pero no consiguió los derechos para hacerlo, aun así el disco tiene una canción llamada 1984, otra gran hermano, etc, así que aun sin derechos casi se puede decir que es un disco basado en la novela). En este LP Bowie, tras Ziggy Stardust y Aladin Sane, adopta un nuevo alias: Halloween Jack y se aparta un poco del glam para poner un pie en el incipiente punk y empezar a recoger la influencia masiva del funk y el soul en la época (que se puede sentir claramente en la canción 1984, que es funky a más no poder). Es un disco estupendo que contiene un gran clásico de Bowie como es “Rebel Rebel”. Tiene mis dieses totales.
Como nota pintoresca, señalar que el videojuego Metal Gear
Solid 5, que comienza con una versión de Midge Ure (Ultravox) del tema de Bowie
“The Man Who Sold The World” hace uso del nombre Diamond Dogs para la unidad de
mercenarios de Big Boss… Veamos
algunas estrofas de dicha canción:
Crawling down the alley on your hands and knee
I'm sure you're not protected, for it's plain to
see
…
The diamond dogs are poachers and they hide
behind trees
Hunt you to the ground they will, mannequins
with kill appeal
…
You'll catch your death in the fog
Y eso por no mencionar que
el juego está también ambientado en 1984 y el nombre de Big Boss también es
Jack…
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Tercer y último disco del grupo, como en el anterior tiran por un rollo bastante comercial, con su puntito country y todo, sin trazas de satanismo más allá de la portada, está guay, y se deja escuchar, pero bueno, no es tan especial como el primero.
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Segundo disco del grupo, muy en la línea del primero (incluso repiten letras en algunos temas, como lo de “gitanos son amores”), sigue haciéndome mucha gracia escuchar cosas como “que viva mi Sevilla” con acento inglés en medio de un tema de rock progresivo. En fin, un disco guay la verdad, vale la pena pegarle una escuchada.
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Tercer disco de los australianos que siguen con su costumbre de hacer discos de heavy metal cojonudos con portadas, cuanto menos, curiosas. Un discazo tremendo que además incluye una canción sobre la novela de Frank Herbert, Dune, que dado que la novela había salido solo hace 9 años, muy posiblemente sea la primera canción sobre Dune, o al menos seguro la primera canción de rock, así que es incluso un disco un poco histórico. Tiene mis dieses y total recomendación.
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Cuarto disco de la maravillosa e influyente banda. Contiene algunos de sus temas más recordados, como el que da nombre al LP y Crash Course In Brain Surgery, este último muy popularizado por la versión de Metallica. Un discazo tremendo, tiene todos mis dieses.
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