Ultimo disco del grupo, y sinceramente, creo que el mejor de su discografía de lejos. Sin perder su rollo blues rock, se meten en terrenos de rock progresivo mezclado con un poco de contry folk y les sale un disco bastante original y muy majo. Recomiendo pegarle una oida la verdad. Tiene mis dieses.
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Primer disco de los muchos de la mítica banda británica. El Lp que abre con una fantástica versión del I Just Want To Make Love To You de Willie Dixon le prepara a uno para el festival de excelencia y slide guitar que tiene por delante. Un disco moderno para su época a la vez que clásico y rockero, tiene mis dieses.
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Tercer disco de la banda. Tras sacar un disco como Saotori, que es una obra maestra absoluta y máxima, estar a la altura con un nuevo álbum es cosa difícil, pero, cosas de la vida, este nuevo disco es otra jodida obra maestra. Empieza, muy raro, con Emerson Lake And Palmer sonando de fondo en un anuncio de un festival en el que tocaban Flower Travelling Band, supongo que estarían tan orgullosos de tocar junto a Emerson Lake And Palmer que grabaron el anuncio en el disco, pero es algo muy bizarro, solo he visto que pase eso en un disco dos veces contando este (el otro es el Bolero Mix nº2, así que mejor ni hablar de el…). La primera Canción, Unaware, tiene una influencia bastante fuerte de Working Class Hero de John Lennon a mi parecer (cosa que no me sorprende dado que tenían cierta amistad). La canción Hiroshima toma prestados riffs de Saotori para hacer una especie de canción secuela. Las otras dos de esa cara, Aw Give Me Air y Kamikaze, son dos temazos al puro estilo FTB. La cara B es más tranquilita con canciones como la ligera Heaven And Hell que mezcla el sonido heavy primigeneo británico con el folk japonés espectacularmente, cosa que quizás es una de las marcas de identidad de la banda. Un melocotonazo de disco de una banda acojonante que creo que tiene un sonido totalmente único, tiene mis dieses absolutos.
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Ultimo disco de la banda (del mismo año que el primero). Un disco un poco destartalado grabado medio en directo, con canciones cada una un poco de su padre y de su madre. Un disco no especialmente memorable salvo por la última canción “521 Seconds Schizophrenic Symphony” casi 9 minutos de tema instrumental dividido en 4 movimientos que son un derroche de virtuosismo y excelencia, la típica movida que si la escuchas en un directo a todo volumen te deja ko.
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Aunque por el título podría ser una película de Frankie Avalon y Vincent Price, en realidad es el primer disco de la banda japonesa de rock progresivo anteriormente conocida como Strawberry Path. Si el anterior disco sonaba tope Hendrix, este cablaga por terrenos más progresivos y experimentales mezclando al mismo tiempo influencias de grupos proto heavies como Deep Purple o Uriah Heep con rollos más pop. Una marcianada de disco, pero bastante guapo.
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Segundo disco de los alemanes, en la línea del primero, con sus guitarras dobles y su buen rollo. Muy fresquito.
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Álbum debut de la banda finlandesa de rock progresivo. Es un disco chulo, bastante complejo, especialmente la canción “unfeeling” me gusta bastante, tiene un comienzo muy chulo. Este disco en su edición original del 72 es un santo grial para los coleccionistas, se puede poner fácilmente en los 1.500 pavos si aparece alguno.
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Primer disco de la banda de hard rock liderada por el, mito, la leyenda, el único e inimitable Ronnie James Dio, LA VOZ del heavy metal. Las canciones de este disco están bastante bien en general, pero lo que las eleva a la excelencia es la maravillosa voz y técnica de Dio, un gran disco que sirve de entrante a la carrera estelar de este gigante. Tiene mis dieses, todos mis dieses.
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Cuarto disco de la banda. Se asienta el cambio de rumbo de su tercer álbum, un disco simpático, vale la pena pegarle una oida.
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Segundo y último disco de la banda de Marc Bell (Alias Marky Ramone). Al igual que el anterior, un discazo pionero del heavy metal en EEUU y con portada reciclada de Frank Frazetta esta vez. Discazo máximo, tiene mis dieses.
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Segundo disco de los mejicanos. Un disco simpático, en la línea del anterior. Incluye una canción anti tabaco y droga, ¡no fuméis porros chavales! Teniendo en cuenta que La Revolución De Emiliano Zapata ya tenían una canción en contra del sexo promiscuo, ¿podemos decir que las bandas pioneras del rock en Méjico son también las pioneras del straight edge a nivel mundial?
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Primer y único disco de la banda alemana, Krautrock con mucho componente de hard rock, un disco bastante potente, está bastante guay.
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Disco legendario donde los haya, sexto álbum del grupo, y autentico hito en la historia del heavy metal, empezando por Smoke On The Water, que directamente es una canción que en la cultura pop y el imaginario colectivo es el paradigma de canción jevi y siguiendo por autenticos melocotonazos como Highway Star o Space Truckin. No hace falta añadir más respecto a su calidad o su relevancia o excelencia. Una obra maestra.
Pero si que es interesante señalar la curiosa anécdota detrás de Smoke On The Water: Deep Purple se habían ido a Suiza a un casino y hotel (Montreux) a grabar su nuevo disco, ya que no les gustaba grabar en estudios ni tampoco pagar los impuestos que les correspondería por grabar en Reino Unido. El día antes de la grabación Frank Zappa dio un concierto en el escenario en el que Deep Purple iban a grabar, pero un tío del público lanzó una bengala y el casino se incendio (sin bajas que lamentar por suerte). Este incendio (y el posterior periplo para encontrar un sitio para grabar) inspiro la letra de Smoke In The Water (y quedo recogido en el disco en directo de Frank Zappa “Swiss Cheese/Fire!”).
We all came out to Montreux
On the Lake Geneva shoreline
To make records with a mobile
We didn't have much time
Frank Zappa and the Mothers
Were at the best place around
But some stupid with a flare gun
Burned the place to the ground
Con respecto a la música, el famoso riff de guitarra de la canción (tan-tan-taaan tan tan tanan tan-tan-taan tantan) según Richie Blackmore está sacado de la 5º Sinfonia de Beethoven, pero a lo que es CALCADO es a la melodía de la canción Quiet Maria compuesta por Norman Gimbel, Vinicius de Moraes y Carlos Lyra e interpretada por Astrud Gilberto.
Smoke On The Water nisiquiera estaba planeada para incluirla en el disco, el grupo la hizo como para reírse del ajetreado proceso de grabación que vivieron, pero el productor supo ver el éxito y les dijo que había que incluirla, pero vamos, ni siquiera fue el single del álbum.
La cuestión es que si se piensa detenidamente es todo muy raro, una de las canciones más míticas de la historia del rock, habla sobre la grabación del propio disco en el que sale, proceso del cual al menos una mínima parte, queda registrado en el disco de otro artista, la música está copiada de un tema de bossa nova, y encima fue concebida un poco de broma. Si se piensa, para ser una canción tan mítica, todas las circuntancias que la rodean son como muy de andar por casa. De hecho, tengo una teoría loca (totalmente especulativa). Machine Head se grabo entre un casino y un hotel… ¿tendria algo de raro que en el hilo musical de un ascensor de un hotel o de un casino en 1971 sonase un tema de bossa nova de 1966? ¿Al fin y al cabo no es la chica de Ipanema la música de ascensor por excelencia? ¿Podría ser que Ritchie Blackmore escuchase la canción de Astrud Gilberto en un ascensor, se le pegase la melodía, y luego la usase para ponerle música a una letra medio de broma sobre cosas que le habían pasado y que la coña se le fuese de las manos? ¡Da que pensar! |
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Quinto disco de David Bowie, primer álbum conceptual del artista y primero donde adopta un alter ego. El disco cuenta la historia de Ziggy Stardust, una especie de mesías andrógino alienígena que viene a la tierra a salvarla (a través del rock and roll) de un inminente apocalipsis que ocurrirá en 5 años, y que acaba cayendo en una vida de excesos y autodestrucción al convertirse en una estrella musical. Bowie, mientras, adopta la identidad de Ziggy, y lo encarna sobre el escenario mediante la actuación y la estética (cosa que haría otras veces con otros alter egos y otros discos), mientras que su banda encarna a los “spiders from mars”.
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Primer y único disco de la ultra oscura (que apropiado) banda británica. Con un sonido entre progresivo y psicodélico, muchísima distorsión y un rollo oscurete bastante chachi, este disco, en su día super desconocido, ha acabado por convertirse en un LP de culto. No solo a nivel musical es considerado como un trabajo de gran calidad, si no que además a nivel coleccionable es un santo grial, en su dia en el 72 solo se hicieron 64 copias del LP. En los 90 hubo cierto revival de la banda y el LP se re edito muchas veces (y también se re editaron Cd’s con grabaciones descartadas y alternativas del grupo como para parar un carro), pero lo que es encontrar una copia original original del 72 es una tarea casi imposible, y cuando ha aparecido alguna se ha llegado a pagar por ella auténticos dinerales (que tenga constancia una se vendió por 25.000 libras). En fin, un disco muy recomendable, le doy mis dieses.
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Del folk rock con extra de folk de su anterior trabajo, se pasan directamente al country rock. Un peñazo de disco y casi casi el fin de su carrera.
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Más folk rock progresivo danés, en la línea del primer disco pero con un extra de folk.
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Segundo disco de la banda pionera del rock satánico. Este disco está muy guay, honestamente lo está, especialmente por la voz de la talentosa y maravillosa Jinx Dawson, pero no queda ni traza del rollo demoníaco del que hacían gala en el primer álbum, lo cual hace que sea bastante menos especial. La cuestión es que el timing del primer album de Coven fue nefasto, coincido con los asesinatos de la familia Manson y el comienzo del “satanic panic” en EEUU, que precipito la muerte de los hippies y el alzamiento del noconservadurismo, de modo que su LP de debut “Witchcraft Destroys Minds And Reaps Souls”, por lo que sea, fue un escándalo sonado y se retiro de la venta, a ellos se les despidió de la discográfica y se les intento echar de la industria. Lo que nadie esperaba es que Coven grabase una cancioncilla para una peli de artes marciales de bajo presupuesto que se convirtió en un éxito menor en el año 71 (Billy Jack, film de culto del cual Tarantino reconoce haber sacado inspiración para el personaje de Brad Pitt en Once Upon A Time In Hollywood). Catapultados por la película, Coven coló “One Tin Soldier” en las listas de éxitos de ese año, de modo que oliendo el dinero, las discográficas volvieron a interesarse en Coven para un nuevo álbum, pero eso si, tuvieron que dejar todo el rollo satánico en su vida privada. Una lastima. Aun así es un disco que vale la pena escuchar, y es un detalle encantador, a la vez que un poco triste, que en la foto de la portada la banda cuela con disimulo un motón de manos haciendo los cuernos, como diciendo, “hay que comer, pero seguimos aquí”. Que banda mas enorme hubiesen podído ser si no hubiese tanto meapilas suelto. Por cierto, si hay algún productor de cine leyendo esto, que sepa que aquí hay material de biopic.
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El nombre lo dice todo, Chain grabando un disco en directo, de nuevo. La dirección blusera que emprendieron en toward the blues parece que se mantiene en este disco de blues rock canónico. Nada muy especial.
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A pesar de que la portada parezca representar un avatar de Nyarlathotep el primer disco de esta banda australiana es blues rock setentero bastante estándar. Está bien pero tampoco me dice nada.
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Primer y único disco de la banda neerlandesa, rock progresivo con guitarras dobladas, potencia y molor. Originalmente el LP tenía solo 4 pistas excelentes, pero en sucesivas ediciones se le fueron añadiendo bastantes bonus tracks. Sin duda un discazo, a pesar de que tuvieron cero éxito en su día, muy recomendado, tiene mis dieses.
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Primer disco de esta sumamente infravalorada banda. Captain beyond es un super grupo compuesto por, entre otros, el primer cantante de Deep Purple y dos integrantes de Iron Buterfly. Detrás de la alucinógena portada de su primer disco (originalmente con un efecto holográfico parecido a las cartas foil, los jugadores de Magic sabrán a que me refiero) está una obra maestra conceptual de rock progresivo proto heavy metal con canciones que se funden una con otra en una chorro continuo de excelencia musical y letras enigmáticas. El disco apenas tuvo repercusión en su época (quizás era demasiado avanzado para el mainstream estadounidense o a saber) pero hoy en día es un álbum de culto. Absolutamente recomendado, tiene mis dieses.
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Ultimo disco del grupo (bueno, realmente han vuelto a sacar disco en 2006 y 2016, pero no voy más allá de 1989, así que como si no existiesen). La mayor parte del disco es un directo, y luego tienen unas cuantas canciones originales. En general es muy clásico, se dejan de inventos y van al rock bastante directo. Un disco muy animado y muy majo.
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Cuarto y ultimo single de esta banda, Willpower Weak, Temptation Strong, la canción de la cara A es bastante simpática. La cara B, de nuevo, no la he podido encontrar. En general un grupo con una trayectoria de caras A muy majas y caras B olvidables u olvidadas, adiós y gracias por el pescado.
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Siguiente single del grupo que solo está en esta lista porque se llamaba como otro grupo. Esta vez tiene una versión de Little Bit O’ Soul (seguramente conocida por la mayoría a raíz de la versión de los Ramones, pero originalmente es una composición de dos compositores británicos llamados Jhon Carter y Ken Lewis a mitad de los 60 y ha sido interpretada por muchos grupos, los primeros, aunque no los más famosos, unos llamados The Little Darlings) y otra canción que no he sido capaz de encontrar para escuchar.
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Primer disco de una de las primeras bandas australianas de heavy metal. Un grupo influenciadísimo por Black Sabbath (vamos, es incuestionable) que debuta con un álbum de horripilante cubierta pero bastante molon la verdad, tiene mis dieses.
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Segundo disco de esta banda tan avanzada a su tiempo, tan influyente y tan poco recordada. Como el anterior, tiene mis dieses.
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En la línea del anterior disco, rock and roll super clásico, poco original, muy disfrutable.
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Este primer y a efectos prácticos único disco de la banda inglesa es una marcianada de rock progresivo sinfónico experimental casi todo instrumental con órgano hammond ON FIRE flipándose constantemente. Es café para muy cafeteros. Pero está bien.
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Primer disco del grupo norteamericano, es rock duro setentero ligerito y alegre, bastante ameno, vale la pena pegarle una oída la verdad, tiene mis dieses. La portada de nuevo presenta una serie de pies roñosos, algo que parece que era razonablemente habitual en los 70, pero al contrario que con otras portadas esta está justificado y queda bien.
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Único disco de la banda escocesa, rock progesivo pesado un poco en la línea de coetáneos como Uriah Heep pero con menos gancho. Está bien, no me vuela la cabeza pero está bien. Encontrar una edición original de este disco del 72 es un santo grial, solo hay cien, y se pueden encontrar por ahí a mas de 5000 pavos, una pasada.
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Un nuevo disco del grupo francés con su caracteristico vibrato. Un disco interesante, siendo solo dos canciones vale la pena escucharlo.
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Album debut de esta mítica (y tristemente infravalorada) banda. Tras casi una década tocando bajo distintos nombres y ganándose el apodo de “la banda más violenta de NY” por sus brutales directos llamaron lo suficiente la atención de las discográficas como para grabar este disco que fue muy celebrado en su momento por la crítica. Es un rock psicodélico duro muy potente con letras misteriosas, inteligentes e ingeniosas de las que suele hacer gala la banda. Un discazo sin duda, tiene mis dieses.
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Quinto álbum de la banda, que junto con un cambio de personal trajo un cambio de estilo, mucho más ligero que los anteriores, tirando hacia sonidos progrsivos y pop, incluyendo flautilla a lo Jethro Tull, cosa que disgusto a muchos fans.
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Primer y ultimo disco de la banda alemana de rock duro, un disco bastante chulo la verdad, recomiendo pegarle una oída.
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Segundo disco del grupo, que pega un cambio muy notable con respecto al anterior, un disco de blues rock a ritmo de piano principalmente grabado en directo, que contiene uno de los mayores éxitos de la banda, Boppin’ The Blues, canción que suena ligeramente parecida a Jhonny B Goode de Chuck Berry, ligeramente, nada más.
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Cuarto disco de Black Sabbath y cuarta obra maestra. Un disco que pega un salto estilístico en comparación con los tres anteriores, menos demoníaco y más experimental, cambio que quizás deriva de que en esta época el grupo empezó a consumir literalmente kilos de cocaína (de hecho la oda a dicha sustancia que es la canción Snowblind, originalmente iba a dar título al disco). A estas alturas los Sabbath ya habían desembarcado en EEUU a lo grande y se habían instalado en una mansión de Bel Air para grabar su cuarto álbum a pensión completa, y la pensión completa básicamente incluia lo que se les ocurriese, incluyendo cantidades industriales de cocaína de sospechoso origen, lo cual acabo dejando a los cuatro chavales de Birmingham bastante deteriorados. Bastantes incidentes se dieron a lo largo del periodo que pasaron en Bel Air, incluyendo casi matar a Bill Ward tras gastarle una broma pintándole entero con pintura dorada en spray mientras estaba inconsciente y desnudo tras una borrachera, o que Ozzy, completamente paranoico, esnifase cantidades industriales de cocaína ante al imposibilidad de tirarla al váter (por estar este atascado con bolsas de maria) durante un ataque de pánico al imaginar que la policía venía a detenerles por posesión de drogas.
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Segundo disco de este excelente grupo de DESAFORTUNADÍSIMO nombre para los hispanoparlantes (a pesar de lo que parece, viene de Black Murder pronunciado en plan acento de Detroit, lugar de origen de la banda, y donde los asesinatos de personas negras eran alarmantemente frecuentes, hasta el punto de iniciariar grandes disturbios y protestas raciales a finales de los sesenta… Cualquier parecido con el presente es puramente casual, y cuando digo casual quiero decir que no ha cambiado nada en 50 años, así va el mundo). Black Merda trabajaban como banda de apoyo para el Gran Edwin Starr y para los Temptations, y aparte tenían este proyecto de banda de rock/r&b psicodélico con mucho funk y soul que es canela en rama. Aproevcho para reomendar este disco y el de título homónimo de 1970, que pasó bajo mi radar en la primera batida (gracias por el soplo Oriol). Tienen mis dieses.
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Primer disco del grupo de rock compuesto exclusivamente por mujeres (dato reseñable por escaso en esta época). Blues rock bastante potente la verdad, para mi gusto le sobran algunas canciones lentas, pero en general está bastante chulo.
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Tercer disco del grupo, seguramente el más vendido y más recordado, aunque a mi me gusta menos que el anterior, pero es un gran disco de rock progresivo sin duda. La canción Gamma Ray, que es casi un himno en su Alemania natal es de hecho (según tengo entendido) la que inspiro el nombre del grupo Gamma Ray.
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Tercer disco de la banda (si, aunque se llame Vol 2 es el tercero, porque aparentemente Buenos Aires Blus no lo cuentan), blues rock duro con violines y un poco folky, bastante guay.
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Cuarto disco de la banda que conmemora unos eventos de un directo que dieron en el que aparentemente la policía entro a pegar porrazos, la audiencia se vino arriba y respondieron causando importantes disturbios (evento que según dicen condujo a la desaparición del grupo). Aunque tiene un par de temas en el estilo reconocible del grupo, la mayor parte del disco consiste en pasajes experimentales instrumentales muy raros y la verdad que un tanto difíciles de escuchar.
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Segundo disco de la banda, un disco ecléctico y experimental como pocos, empieza con tango, blues, jazz en plan sexy, luego experiementación loca tirando a heavy metal, luego blues canónico, luego experiementación loca con sonidos de la calle, luego más blues, luego un poco de Hendrix y luego más experimentación con voces raras. Café para muy cafeteros.
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Con un tono más desenfadado que los anteriores llega el tercer/segundo disco de la banda norteamericana, (segundo en el mismo año). Aunque el tono cambia, la excelencia no, un discazo, tiene mis dieses.
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Segundo/primer disco de la bada (ver “Bang-Death Of A Country” de 1971). Con unas influencias clarísimas de Black Sababth, este es uno de los discos pioneros del heavy metal en EEUU. Pura excelencia, tiene mis dieses.
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Primer disco del grupo británico, con el que triunfaron muchísimo en Canada (aunque no tanto en otras partes), lo cual quizás explica porque de algun modo me recuerdan un poco a Rush (quizás por la forma de cantar de Janita Haan). Sea como sea es un discazo, tienen una versión de Frank Zappa y su canción “The Mexican” mezcla parte de la melodía del tema de “Por Un Puñado De Dólares”. Tiene mis dieses.
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Primer disco del grupo de griegos emigrados a Francia, extrañamente su siguiente disco (“ELA ELA”) tiene casi las mismas canciones pero con un par de temas de más o de menos, así que ahora mismo los dos discos en mi cabeza están mezclados y no sé muy bien que está en que, así que voy a hablar un poco de los dos, y para el 72 haré copypaste. Son un grupo ecléctico de narices, supuestamente hacen rock progresivo fusión jazz o algo así, pero para mi tienen unas canciones que suenan a Mocedades puestos de ácido, otras que suenan a rumba catalana, otras que sí que suenan a rock, y luego ruidos raros en plan “free form jazz exploration” como dirían Spinal Tap. Alternan trozos aburridos, con trozos guays, con trozos que no son guays pero son pegadizos de narices.
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Segundo disco de los Noruegos pioneros en su patria, mezcla de rock duro y rock progresivo, muy excelente, tiene mis dieses.
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Cuarto disco de la banda y de nuevo un cambio de cantante, de hecho un cambio de casi todo, porque a estas alturas casi no quedaba ningún miembro original (muchos se habían ido como protesta ante el cambio de rumbo que el teclista y miembro fundador Vincent Crane junto con el nuevo cantante Chris Farlowe le estaban dando al grupo). Hay que decir que Vincent Crante sufria desde los sesenta un trastorno bipolar y solia entrar y salir del manicomio confrecuencia, así que imagino que algo tendría que ver con que tanta gente se fuese del grupo. En fin, si el anterior disco de los británicos rompia un poco la tendencia de los primeros discos y se tiraba a un rollo más funky, este disco es soul y funk a saco. No es un mal disco, pero la verdad, me molaba más lo que hacían antes.
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Primer disco en solitario de Arthur Lee, el cantante del grupo Love (celebre especialmente por su excelente disco Forever Changes). Si sois fans de Love, en este álbum vais a encontrar… Nada que recuerde a Love. Es hard rock, con mucho blues, mucho R&B, un rollo un poco Hendrix, mucha chulería y bastante caña. Las letras están curradas, tienen su punto de crítica y de humor raro (especialmente Hamburger Breath Stinkfinger). En fin, un disco muy recomendable, tiene mis dieses.
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